10 piezas de arte que cambiaron el mundo

Escrito por Tracey Chandler ; última actualización: February 01, 2018

Overview

Los egipcios crearon el arte como una ofrenda religiosa para acompañar al faraón a lo largo de su vida infinita después de la muerte. Los griegos centraron todos sus esfuerzos en el desarrollo de las Doríforas y utilizaban el arte para representar su idea de la perfección exacta y la belleza innegable. Los artistas de principios del siglo 20 comenzaron a explorar la noción del arte en sí mismo, desafiando la idea de su audiencia de "gran arte" en la medida de lo posible. El arte siempre ha estado en el centro de nuestras vidas y siempre ha mantenido un gran poder. Las siguientes 10 piezas de arte son tan poderosas que todas, a su manera, lograron cambiar al mundo.

El arte siempre ha sido el centro de nuestras vidas.

¿La arquitectura es realmente arte? Cuando estudiamos la vida de los egipcios, nada de lo que crearon fue considerado arte ante sus ojos. Sus pinturas, sus grabados y las esculturas fueron creados en honor al faraón y para entregarlo con seguridad a los dioses después de su muerte. Sin embargo, como el trabajo de los egipcios ha sido descubierto con el tiempo, hemos llegado a reconocer su belleza y en el caso de la estructura del templo construido por la reina Hatshepsut después de su muerte, el gran tamaño es artísticamente valioso. Es una de las mayores piezas de arte hasta la fecha y un testimonio del reinado poderoso disfrutado por los egipcios durante tantos años.

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El trabajo de los egipcios se sigue descubriendo y hemos llegado a reconocer su belleza.

El Doríforo de Policleto, Siglo V a. C.

Entre los siglos IV y VI a. C., los griegos hicieron descubrimientos y se ocupaban de las matemáticas y la filosofía que cambiarían el mundo para siempre. Junto con su necesidad de conocimiento vino el deseo de utilizar el arte como una forma de reproducir su idea de la belleza absoluta o perfección. El escultor Policleto, en el siglo quinto a. C. fue responsable de la creación de el Doríforo. La figura desnuda de un hombre atlético griego, perfectamente formado de acuerdo a un orden estricto matemático donde la cabeza de la escultura cabría en la longitud del cuerpo en ocho ocasiones. Incluso en el arte de hoy, vemos ejemplos de perfección anatómica prestados y aprendidos de Policleto. El legado griego es muy poderoso.

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La figura desnuda de un hombre atlético griego, perfectamente formado de acuerdo a un orden matemático ajustado.

Al final de la era paleocristiana y hacia lo que es reconocido como el período de Arte Medieval, una potente representación de Jesús Cristo comenzó a emerger la cual cambiaría el mundo para siempre y ayudaría a colocar el cristianismo en una de las posiciones más fuertes religiosas y políticas jamás alcanzada por otros movimientos religiosos, antes y después. Estas pinturas y esculturas fueron referidas más adelante como Cristo en Majestad o Cristo en la Gloria. El altar frontal con Cristo en Majestad y la Vida de San Martín es una de estas pinturas. Tomando referencia el poder anterior del emperador romano, entronizado y representado como si fuera siempre joven, los artistas empleados para producir las pinturas del Cristo en Majestad fueron los primeros artistas en colocar a Cristo entronizado en el centro de sus pinturas.

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El Cristo en Majestad fue un movimiento artístico muy delicado.

La Mona Lisa de Leonardo da Vinci

La Mona Lisa de Leonardo da Vinci, pintada aproximadamente en 1503 o 1504, es también conocida como La Gioconda. Es su sonrisa lo más famoso de la figura central. Su naturaleza ha sido un debate universal durante siglos. La razón detrás de la sonrisa de la Mona Lisa es desconocida y todavía provoca un gran interés y teorías. Con sede en el Museo del Louvre en París, es casi imposible conseguir una buena vista de la Mona Lisa en la actualidad gracias a las hordas de visitantes interesados de la galería, sacando fotos lo mejor que pueden a la famosa dama y su famosa sonrisa.

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La Mona Lisa es famosa por su sonrisa.

La noche estrellada de Van Gogh, 1889

Van Gogh estuvo lleno de angustia mental y depresión durante toda su vida. Él es tal vez más famoso por haberse cortado una oreja en el nombre del amor y mientras estuvo internado en el manicomio de Saint-Rémy, en 1889 produjo "La noche estrellada". Esta obra es un ejemplo perfecto del movimiento de pintura impresionista que quitó las precauciones, abrió las pinceladas e introdujo un nuevo enfoque en el uso del color. Se hace hincapié en el sentimiento y la poesía detrás de la imagen en el lienzo en lugar de simplemente representar lo que el artista podía ver. Van Gogh llegó a ser uno de los pintores impresionistas más fascinantes debido a su amor por la noche y su pasión por las pinturas en la oscuridad.

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La noche estrellada es un ejemplo perfecto del movimiento impresionista.

El Grito Edvard Munch, 1893

Una de las cosas fascinantes de El grito del pintor noruego Edvard Munch es que creó una serie de versiones de la obra, incluyendo una presentación de óleo, un dibujo al pastel y una litografía, todos entre los años de 1893 y 1910. El tema de la pintura es particularmente oscuro como la figura central, un hombre, que está claramente sufriendo de un momento privado de angustia y desesperación, mientras que las otras personas que aparecen en la pintura, parecen estar felizmente ignorantes de su ansiedad.

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El tema de la pintura es particularmente oscuro.

Primera Acuarela de Kandinsky (Sin título), 1910

El pintor y artista gráfico ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) fue uno de los grandes maestros del arte moderno. Su trabajo realizó grandes avances en el mundo del arte puro, el arte por el arte y la pintura abstracta. Fue una figura muy dominante en la primera mitad del siglo XX y su trabajo realmente memorable comenzó con su primera acuarela, una pieza sin título producida en 1910. Este año fue un año crucial tanto para Kandinsky como para el mundo del arte en general. Esta primera acuarela abstracta, en la que todos los elementos de la representación y asociación parece que se han perdido por completo, fue una pionera. La obra de Kandinsky se puede encontrar en el Museo de Arte Moderno de París, Francia.

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Wassily Kandinsky (1866-1944) fue uno de los grandes maestros del arte moderno.

Persistencia de la Memoria de Dalí, 1931

"La persistencia de la memoria 1931" de Salvador Dalí, es considerada por muchos como una obra maestra surrealista. Las imágenes que se nos presentan son los relojes que parecen estar derritiéndose sobre las ramas y hormigas que devoran ávidamente un bolsillo. El fondo del cuadro es claramente una bella representación del paisaje de Port Lligat en la natal Cataluña de Dalí, pero como un todo funciona como una alucinación increíble, llena de detalles fascinantes y confusos, como el tipo de imágenes mezcladas que experimentamos cuando soñamos. Dalí y sus contemporáneos surrealistas fueron los responsables de dirigir a las masas a través de un nuevo movimiento artístico inmensamente importante y desafiante.

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Dalí y sus contemporáneos surrealistas fueron los responsables de dirigir a las masas a través de un nuevo movimiento artístico inmensamente importante y desafiante.

Blue Poles de Jackson Pollock, 1952

En 1952, Harold Rosenberg, escritor de ARTnews, fue responsable de la primera referencia a la obra de Jackson Pollock como "pintura de acción" y qué fantástica descripción exacta de la pintura de Pollock hizo. Cuando Pollock comienza a pintar, no ve la imagen, él no tiene la imagen en la mente. Él ve el espacio y se ve por el espacio, de modo que puede llenar ese espacio con la acción. Pollock es famoso por lanzar pintura en un lienzo para ver lo que podría suceder y en 1952 la creación, "Blue Poles", es un ejemplo audaz del color, el movimiento y la individualidad asociada a su autor. "Blue Poles" de Pollock cambió el mundo al mostrarnos que el arte no tiene que tener ningún tipo de sentido en absoluto y que no tiene que estar compuesto con exactitud.

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Blue Poles de Pollock cambió el mundo al mostrarnos que el arte no tiene que tener ningún tipo de sentido en absoluto y que no tiene que estar compuesto con exactitud.

Por el amor de Dios de Damien Hirst, 2007

¿Es una joya de la corona o una novedad kitsch? Pocas personas pueden decidir. Una vez más un cráneo cubierto de diamantes de Damien Hirst en 2007 lleva el arte a la vanguardia de nuestras conversaciones y preguntas sobre qué significa ser artístico. En el año 2007, parece que el trabajo del artista es provocar, molestar, causar disgusto e indignación. "Por el amor de Dios" es sólo una de las obras de arte de Damien Hirst que causó una opinión polémica y el interés en todo el mundo. El arte fue una vez creado como un regalo de los dioses, y ahora se crea con el fin de desafiar y molestar. El poder del arte es interminable y es emocionante pensar acerca de a dónde nos llevará después.

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¿Es una joya de la corona o una novedad kitsch?

Sobre el autor

Tracey Chandler specializes in travel articles and features for female-interest publications online. She reviews Latin American cinema, creates press releases for an online marketing company and manages her own blog "The Jolly English Pirate." She holds a B.A. in performing arts at Middlesex University.

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  • Bethany Clarke/Getty Images News/Getty Images
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